Es una promesa cumplida del presidente Danilo Medina a los dominicanos y en especial a los veganos, quienes han trabajado con ahínco y revalorizado la cultura que se manifiesta en el Carnaval.
El museo forma parte de un amplísimo esfuerzo de nuestro Gobierno para la transformación urbana de La Vega.
El Museo del Carnaval Vegano guarda una muestra antropológica, histórica y artística de la evolución de los carnavales dominicanos como expresión cultural y popular.
Así mismo, es un atractivo adicional para el turismo cultural y educativo en la provincia.
La Vega es la quinta ciudad del mundo con un museo dedicado al carnaval.
La exposición temporal Huellas del Carnaval recoge en 325 piezas la esencia, fuerza y diversidad del carnaval popular dominicano en todas sus manifestaciones.
De la gastronomía del Sur de nuestro país y muy popular en San Juan de la Maguana y Azua, el “invento” del chacá se atribuye a los africanos asentados en esta isla caribeña.
Para preparlo se utiliza maíz caquiao o partido en pedacitos, canela, leche de coco y de vaca (ahora evaporada), azúcar, clavos dulces y sal.
Leonidas aprendió con su madre a preparar chacá. De eso vive. De la venta de chacá y de otros platos populares.
"Hay gente que pasan en motor por ahí y me dicen: Pero ven acá morena, tú me estas matando con ese olor, ¿ya está el chacá?" .
Quien pasa por la calle Manuel Mora en Azua y no lleva prisa hace una paradita para llevarse un vasito de este postre popular.
Desde el gobierno de Danilo Medina celebramos el afán cotidiano de Leonidas de ganarse el pan haciendo chacá, alegría de la gastronomía dominicana.
Conocido como el padre del montaje, su película ‘El acorazado Potemkin’ (1925) está considerada una obra maestra de la historia del séptimo arte
El polifacético Sergei Eisenstein ha pasado a la historia por su maestría en las filmaciones y, sobre todo, por su teoría del montaje en un momento en el que el cine apenas contaba con un par de décadas de existencia. Sin embargo, el vanguardista director también destacó por sus amplios conocimientos de arte, estudió ingeniería y hablaba francés, alemán e inglés.
Todo ello contribuyó a que a pesar de su escasa filmografía —que no llega a 20 películas y algunas de ellas inacabadas—, su obra siga vigente y se continúe revisando con asiduidad por sus aportaciones e influencias en el rodaje, la escenografía, y el montaje en el cine europeo y americano.
Atraído por la revolución marxista y convencido de sus ideales y de que con el arte podría ser útil a la revolución, Eisenstein se alistó en 1918 en el Ejército Rojo, donde entró en contacto con el teatro al trabajar como responsable de decorados y como director e intérprete de pequeños espectáculos para la tropa. Desmovilizado en 1920, se instaló en Moscú con la idea de aplicar su habilidad pictórica a la escenografía teatral.Sergei Mijailovich Eisenstein nació en Riga, capital de la actual Letonia y por aquel entonces ciudad del Imperio Ruso, el 22 de enero de 1898. Hijo de padre judío y de madre eslava, desde muy pequeño destacó por su facilidad y precisión por el dibujo, don que lo llevó en 1914 a ingresar en la Escuela de Arquitectura de San Petersburgo. En ella permaneció tres años, ya que en 1917, año de la Revolución de Octubre, el futuro arquitecto dio un giro a su orientado porvenir.
Fue sin duda su experiencia como director de escena del Teatro Obrero (1920) lo que lo impulsó a estudiar dirección teatral en la escuela estatal. Sin embargo, cuando tenía 25 años Eisenstein puso fin a su carrera teatral tras un fracaso en el montaje de la obra Máscaras de gas, en el que, según sus palabras, “el carro se rompió en pedazos y el conductor se cayó de cabeza”. Este incidente lo hizo abandonar el teatro y centrarse en el medio que le dio prestigio internacional, el cine, en el que fue un pionero del uso del montaje, ya que para él, la edición no era un simple método utilizado para enlazar escenas, sino un medio capaz de manipular las emociones de su audiencia.
Su primer contacto con el cine fue el rodaje de un pequeño cortometraje incluido en la obra teatral El sabio, que llevaba por título El diario de Glomow. Tal fue su interés por el nuevo medio artístico que, en 1924, rodó el largometraje La huelga, con una famosa secuencia en la que utilizó imágenes de ganado sacrificado en el matadero intercaladas con otras de trabajadores fusilados por soldados zaristas.
Sergei Eisenstein
La única copia que había de la película la incautó la censura y no se pudo volver a distribuir hasta después de su muerte, aunque llegó a ser exhibida en Europa y obtuvo el premio en la Exposición Internacional de París en 1925.
Desde ese momento el joven Sergei dedicó gran parte de su trabajo a investigar sobre el montaje. Posteriormente desarrolló su propia teoría, algo que tendría una gran influencia en los directores europeos y de Hollywood y que aún continúa vigente.
Sergei Eisenstein no solía utilizar actores profesionales en sus montajes porque el argumento de sus obras iba dirigido a cuestiones más amplias de la sociedad, especialmente a los conflictos de clases. Sus actores, por tanto, eran en la mayoría de los casos personas sin entrenamiento en el campo dramático y provenían de ámbitos sociales adecuados para cada papel.
Con una sola película rodada, el joven director recibió el encargo de rodar la conmemoración de la Revolución de 1905, y la que se convertiría en la obra más célebre de su carrera y una de las mejores de la historia del cine: El acorazado Potemkin (1925). Para entonces la expectación ya era grande porque había dotado de cobertura intelectual al recién nacido espectáculo de masas que era el cine. En la película, la escena del amotinamiento en el barco y la vertiginosa escena de acción de la escalinata constituyen hitos del lenguaje cinematográfico y uno de los mayores logros del cine mudo.
Cartel de la película muda 'El acorazado Potemkin', de 1925, dirigida por Sergei Eisenstein
El acorazado Potemkin dio a conocer su nombre en todo el mundo y posiblemente sea la película sobre la que más se ha escrito en toda la historia del cine. El guión fue escrito para una película de ocho episodios, pero al rodar el capítulo dedicado al motín del acorazado Eisenstein decidió centrar la película en ese episodio. Para ello buscó a los supervivientes de la masacre y localizó los dibujos de un francés que había sido testigo de lo ocurrido. Gracias a una serie de experimentos técnicos (pantallas reflectantes, fotografía desenfocada y plataformas móviles entre otros) los resultados fueron asombrosos.
Eisenstein rueda su película en 1.290 planos combinados con genial maestría mediante un montaje rítmico, ya que considera innecesarios los movimientos de cámara, y solo realiza varios travellings. En El acorazado Potemkin destaca la escena de la escalinata, con 170 planos, en la que el pueblo es brutalmente agredido por las fuerzas zaristas y donde crea un ‘tempo’ artificial que hace que la secuencia dure casi seis minutos. La película, con una espléndida fotografía en la que la masa se convierte en la auténtica protagonista de la obra, acabará por ser considerada la primera obra maestra del cine.
Tras esta gran película realizará dos trabajos más, la genial Octubre (1927), en la que narra los sucesos del asalto al Palacio de Invierno durante la Revolución rusa de 1917, y La línea general (también conocida como Lo viejo y lo nuevo), película sobre la reforma agraria, aunque por los cambios en la Unión Soviética tuvo que modificar su guion en varias ocasiones. En estas dos obras Eisenstein volvió a experimentar con un nuevo lenguaje a través de las imágenes, pero por su complejidad no llegaron a ser muy bien comprendidas en su época.
En ese momento, Sergei Eisenstein empezó a tener serios problemas con la censura soviética, que lo llevaron a viajar a Europa en 1930 para investigar sobre el sonido y a firmar después un contrato con la Paramount y trasladarse a Estados Unidos, donde llegaría a cobrar hasta 900 dólares a la semana.
Lo que Eisenstein llevaba de bagaje cuando llegó a Hollywood era tres películas: La huelga, El acorazado Potemkin y Octubre, algo más que suficiente para que el mismo Hitler, tras llegar al poder en Alemania, lo hubiera puesto como ejemplo por su practicidad marxista para copiarlo en el cine nazi de adoctrinamiento.
Sin embargo, el consagrado Eisenstein no consiguió el permiso de residencia en Estados Unidos ni poner en marcha ningún proyecto, por lo que decidió viajar a México. Nada más llegar al país fueron encarcelados tanto él como sus dos ayudantes de dirección, todos rusos, pero gracias a la intervención de un amigo español el panorama cambió hasta el punto de que lo nombraron en huésped de honor. Inició en el país centroamericano la producción ¡Que viva México!, en la que experimentó diferentes montajes, aunque no pudo acabarla al quedarse sin patrocinador.
Tras su mala experiencia como cineasta en el exilio, Sergei regresó a la Unión Soviética, donde continuaron las dificultades para desarrollar su trabajo, así que decidió dedicarse a la redacción de textos teóricos mientras desde el poder se atacaba tanto su obra como su persona. Pese a ello, rodó Alexander Nevski(1938), su primera película sonora y con la que ganó el Premio Stalin.
En 1943 inició, con el rodaje de Iván el Terrible, un ambicioso proyecto biográfico concebido como trilogía sobre a la figura del zar Iván IV de Rusia, pero el régimen soviético interpretó la obra como una denuncia a la personalidad de Stalin y prohibió la segunda parte -después de haber conseguido otro Premio Stalin con la primera- hasta la muerte del dictador en 1953, cinco años después del fallecimiento del propio director cinematográfico. Tras esa decisión Eisenstein no rodó ni la tercera parte ni ninguna película más.
Sergei Eisenstein, que plasmó sus estudios en obras como Teoría y técnica cinematográfica, La forma en el cine, Reflexiones de un cineasta y La realización cinematográfica, entre otras, murió el 11 de febrero de 1948, a los 50 años, tras sufrir una gran hemorragia a raíz de un infarto.
La genialidad artística de Eisenstein, su teoría del montaje y sus enseñanzas en el lenguaje cinematográfico, no solo contribuyeron en su momento a la mayoría de edad del cine, sino que siguen vigentes hoy en día como una referencia e influencia muy clara en los grandes directores.
La Corporación Estatal de Radio y Televisión (CERTV) premió a los cuatro ganadores del Festival del Minuto Francisco del Rosario Sánchez.
Los ganadores del festival cinematográfico fueron: Pedro Javier Guerra, Maximiliano Álvarez Sepúlveda, Luis Estévez y Leopoldo Recio, quienes recibieron RD$75,000.00, respectivamente.
El concurso se realizó como parte de la celebración del 65 aniversario de la televisión dominicana y de los 200 años del nacimiento del patricio Francisco del Rosario Sánchez.
El acto de premiación se realizó en la sede de CERTV.
La actividad contó con la participación de Ellis Pérez, presidente del Consejo de Administración de CERTV; Ramón Tejeda Read, director general de CERTV y Etzel Báez, cineasta y coordinador del Festival del Minuto Francisco del Rosario Sánchez.
Este evento es esperado cada año por los lectores, y se perfila como uno de los principales atractivos culturales gratuitos de la capital para este fin de semana-
Santo Domingo, RD.- La Sociedad Dominicana de Bibliófilos (SDB) anunció para este fin de semana la IX Feria de Libro Bibliófilos 2017, con una propuesta inusual para los amantes de la lectura y el público en general, que comprende descuentos de más de un 60 por ciento en los precios de más de 200 obras re-editadas de la literatura clásica nacional que se encontraban agotadas.
El presidente de la SDB, Dennis R. Simó, dijo que la exposición que iniciò hoy viernes 6 , se extenderá hasta el domingo 8 de octubre, en el horario de 9 de la mañana a 6 de la tarde, en la sede de esa organización, ubicada en la calle Las Damas número 106, en la Zona Colonial, frente a la Fortaleza Ozama.
Simó invitó a coleccionistas, investigadores, intelectuales, escritores, periodistas, estudiantes y el público en general a participar en las exhibiciones, ventas de libros y documentos, que según dijo son verdaderas joyas de la literatura, y para disfrutar de un sano esparcimiento e intercambio cultural.
Recordó que los Bibliófilos han re-editado una parte importante de las obras clásicas de la República Dominicana que se encontraban agotadas, conservando así la memoria bibliográfica nacional y garantizando que las futuras generaciones de dominicanos puedan conocerlas.
En esta exposición participarán el Archivo General de la Nación y el Ministerio de Cultura, a través de su Oficina del Libro y la Lectura.
Agregó que para participar como expositor y obtener más información pueden llamar a los teléfonos 809-687-6644 y 809-687-6655, o el correo electrónico biblióEsta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo..
Los Bibliófilos poseen en su sede la Biblioteca Enrique Apolinar Henríquez, la única del país y una de las principales de la región especializada exclusivamente en temas dominicanos y caribeños, con más de 15 mil volúmenes.
Agregó que desde 1978, la biblioteca ha sido una importante fuente de consulta de investigadores, periodistas, escritores y académicos nacionales y extranjeros, y siempre ha operado en el segundo piso de la SDB, en la calle Las Damas número 106, en la Ciudad Colonial.
Además de Simó, el consejo directivo de la Sociedad está integrado por Edwin Espinal, vicepresidente; Bernardo Vega, tesorero; Juan de la Rosa, vicetesorero; José Chez Checo, secretario; Eleanor Grimaldi Silié, vicesecretaria; Juan Tomás Tavares, comisionario de cuentas, y Antonio Morel, suplente de comisario de cuentas.
Son vocales Frank Moya Pons, Juan Daniel Balcácer, José Alfredo Rizek, Mariano Mella, Sócrates Olivo, María Filomena González, Raymundo González y Jaime Read Ortega. Son sus ex presidentes Enrique Apolinar Henríquez, Frank Moya Pons, Juan Tomás Tavares, Bernardo Vega, José Chez Checo, Juan Daniel Balcácer y Mariano Mella.
La SDB fue creada en 1973 con carácter privado no lucrativa, con el objetivo de promover, preservar y divulgar la bibliografía y cultura dominicana. Actualmente es la institución cultural del país que más obras clásicas ha re-editado de la literatura criolla, incluso un gran porcentaje de ellas se había agotado.
J Balvin, Maluma, Sebastián Yatra o Manuel Turizo avanzan incansables hacia lo más alto de las listas mundiales de éxitos
El reinado de Despacito de Luis Fonsi y Daddy Yankee, dos artistas puertorriqueños, comienza a tambalearse ante un competidor que hasta hace menos de dos años se dedicaba a otros menesteres musicales. Colombia avanza incansable hacia lo más alto de las listas de éxitos de todo el mundo con su interpretación del reguetón. Un ritmo urbano que nació en Panamá, explotó en Puerto Rico y que los colombianos están moldeando con pop, electrónica y folclore local para configurar un nuevo imperio global.
J. Balvin (Medellín, 1985) consiguió la primera conquista para su país en agosto cuando reemplazó en el número 1 de la lista mundial de Spotify a Despacito, encaramado en esa posición 14 semanas seguidas. El mensaje de Mi gente, una fusión de reguetón y electrónica, ya adelantaba la victoria: “Hago música que entretiene, el mundo me quiere a mí”. La escalada hasta esta cima ha estado impulsada por sus compatriotas. Desde comienzos de año, un tema colombiano de reguetón tiene un puesto entre las 50 canciones más escuchadas del ranking internacional de la plataforma de música. (Ver tabla de abajo. Incluye a Nicky Jam, de origen estadounidense, pero residente en Colombia).
José Álvaro Osorio, nombre real del artista, comenzó con la tarea de reconstruir el pop latino desde muy pequeño en Medellín, una ciudad con una fuerte escena alternativa de hip hop, metal y punk, y gran afición por el tango. “Creo que hago lo que Drake hizo en la industria”, explicó en una entrevista en The New York Times. “Llegué con melodías y letras diferentes, desde un lugar diferente… el reguetón es de Puerto Rico; Drake es de Canadá”. Para que su música saliera de América Latina cambió los cimientos del reguetón.
El artista no ha traicionado a Daddy Yankee, el líder de la primera ola de este ritmo, al que considera el Jay-Z del género. Lleva una década aprendiendo sus enseñanzas y adaptándolas a un público que consume de manera inmediata por Internet. No desdeña la estética del rapero estadounidense rodeado de mujeres con poca ropa, joyas y coches de lujo. No modifica la base de este ritmo, la combina con sonidos tropicales y se la entrega a iconos pop como Pharrell Williams.
La reformulación de esta música ha permitido que permee entre todo tipo de públicos de países tan diversos como Groenlandia o Gran Bretaña. De 2014 a junio de 2017, la cuota de escuchas del género se incrementó en 119% en Spotify. El pop subió un 13% en el mismo período. "Colombia y Puerto Rico han escuchado alrededor de 7.500 años de reguetón", sumando las horas totales de escucha, explican desde la compañía de música. "Mientras que el resto del mundo, aproximadamente 140.000”.
“El reguetón no ha tenido que pasar por los formatos como el vinilo o el casete, sino que es parte de la era digital de la música”, explica Chucky García, periodista de música y programador artístico de festivales masivos en Colombia como Rock al Parque. “Es un fenómeno que le permite hablar a esta generación de una forma más cercana”.
El ejército reguetonero de Colombia tiene otro hombre entre sus generales. Maluma, también de Medellín, de 23 años. Su música es más fiel al sonido y las letras puertorriqueñas. El reguetón de la isla que componían Calle 13 e Ivy Queenhace una década tenía un contenido reivindicativo que Don Omar y Daddy Yankee derivaron hacia lo sexual. Un mensaje polémico por su carga machista. En esta línea, el artista colombiano compuso Cuatro babys. Un tema que viaja por distintas partes del mundo en la gira mundial de Maluma, con más de 700 millones de reproducciones en YouTube, pero también una legión de críticos: “Estoy enamorado de cuatro babys / Siempre me dan lo que quiero / Chingan cuando yo les digo / Ninguna me pone pero”.
TODO COMENZÓ CON SHAKIRA
“Shakira fue pionera en la fusión de lo urbano con La tortura”, dice Marchena. La artista barranquillera ha vuelto a la música después de tres años sin sacar disco con El dorado, el álbum con el que se ha entregado al reguetón.
En el trabajo incluye tres canciones de este estilo: Chantaje, con Maluma, La bicicleta, con Carlos Vives, y Perro fielcon Nicky Jam. Con las dos primeras también ha contribuido al imperio virtual y radial de Colombia con posiciones destacadas en las tendencias musicales de YouTube y Spotify, y consiguiendo números 1 en 27 países a las pocas horas de salir. “Me genera preocupación que la gente crea que el último álbum de Shakira es lo que hacemos en Colombia porque es sin duda su peor trabajo. Sus ideas musicales están hechas netamente para el consumo, bien plásticas y desechables”, opina Chuky García.
Cuatro meses después, Maluma trató de resarcirse con Felices los 4. En esta ocasión, hombres y mujeres eran iguales de libres e infieles. El tema le reporta números 1 semanales en el Billboard latino de Estados Unidos, presencia mensual entre los primeros 50 puestos de la lista global de Spotify desde que se lanzó, más de 870 millones de visionados en YouTube y una segunda versión salsa con Marc Anthony.
“Colombia es un país que, en sus últimos 50 años de historia musical, ha estado marcado por músicas tropicales. El reguetón es esto”, opina Chuky García. “La música latina encontró en lo urbano el perfecto hitbailable”, acompaña Alberto Marchena, director de Los 40 Principales en el país. La emisora del Grupo PRISA (editor del diario El País) ha rebajado su lema “Radio libre de reguetón” por el éxito masivo de los artistas locales. “Comenzamos con esta estrategia hace unos dos años porque el reguetón que llegaba aquí tenía un contenido muy fuerte. Somos una cadena incluyente que aboga por el respeto a las mujeres, el colectivo LGTBI, los jóvenes…”, explica el responsable.
La habilidad de los artistas colombianos para blanquear sus letras y transnacionalizarlas ha desembocado en que en este dial suene Mi gente, pero no Bonita también de J. Balvin, por su contenido: “Esto no para hasta que estés sin conciencia / No hay que perder la paciencia / y que sueltes las piernas”.
La penetración del reguetón en la música del país ha contagiado hasta a Carlos Vives, uno de los responsables de que el vallenato saliera del Caribe. Acaba de lanzar Robarte un beso con Sebastián Yatra, otro joven de 22 años de Medellín y en la fila para conquistar las radios mundiales. Manuel Turizo, de solo 16, lucha por su puesto con el aval de una Lady como tú y sus más de 200 millones de reproducciones en YouTube.
“No creo que otras músicas colombianas suenen menos”, opina Chuky García. “La cumbia es un ejemplo: está incrustada en la cultura de otros países como México o Perú desde hace décadas. El reguetón se da a conocer más en la radio, pero no en términos culturales. Colombia tiene hoy más que nunca una gran diversidad y producción musical”.
El buscador lanza un proyecto cultural que rinde tributo a la historia, gastronomía, pintura, literatura, danza y arquitectura
Dentro de los proyectos sin ánimo de lucro de Google, el de Arte y Cultura es uno de los más cuidados y constantes. Este martes el buscador ha desvelado un rico y amplio tributo a las aportaciones de la cultura latina y su influencia en Estados Unidos.
Bajo el título Latino Cultures in the US Google ha creado el fondo digital sobre cultura latina en Estados Unidos más amplio y profundo. Entre las aportaciones se unen contenidos del Smithsonian Latino Center al Ballet Hispánico de Nueva York. De hecho, la foto de apertura de la web recién lanzada muestra un cuarteto de afroamericanas en traje de flamenca. En total son 50 las instituciones entre museos, bibliotecas y archivos, que han dado a Google acceso a sus fondos para ponerlo en Internet a disposición de cualquier usuario.
La suma final es de 4.300 documentos relacionados con la experiencia vital de los latinos en Estados Unidos. Con más de 90 experiencias multimedia en inglés y español. Entre las mismas, destacan las visitas virtuales a barrios con marcado sabor hispano, como la calle Ocho en la Pequeña Habana de Miami o el barrio de Pilsen en Chicago.
El buscador se ha comprometido con maestros y educadores para crear material curricular basándose en todo el contenido de la colección de modo que pueda usarse en las aulas o como fuente de estudio.
Proceso de digitalización de un fresco.
La misión de Google, según apuntan, es “preservar y compartir experiencias y muestras relacionadas con el arte, la historia y la cultura de los latinos en Estados Unidos. Un material que, tradicionalmente, ha estado infrarrepresentado tanto online como offline. Queremos dar acceso en estos momentos críticos para los latinos, porque han marcado situaciones y avances que no se deben olvidar. No solo durante el mes de la Herencia Hispana, sino durante todo el año”.
La colección se puede visitar tanto a través de la web como con aplicación para Android o iOS. Incluyen apartados que resaltan personajes, como los latinos que han tenido un papel relevante en la historia de los medios, tomando fondos del archivo de televisión americana. En este epígrafe aparecen actores que compartes su visión de la vida como latinos, retos, éxitos y cómo derribaron estereotipos.
Destacan apartados dedicados a la cultura culinaria, así como la historia de las misiones de California, establecidas entre 1769 y 1835 por los franciscanos. Se muestra con gran cantidad de detalles cómo se relacionaron europeos (españoles) y nativos americanos, con foco especial en las luchas de poder entre la Iglesia Católica, los civiles españoles y mexicanos y las autoridades.
La iniciativa forma parte del programa de desarrollo artístico auspiciado por el ministro Pedro Vergés.
Santo Domingo.- Como parte del cumplimiento de las políticas de inclusión y promoción trazadas por el Ministerio de Cultura en su compromiso con las manifestaciones artísticas del país, la Sala Ramón Oviedo inauguró, la exposición pictórica Sensoriales del ciclo Convergencias Cromáticas.
Los artistas que forman parte de esta importante colectiva son Marcia Guerrero, Joaquín Rosario, Reyes Ocre y Verouschka Freixas, quienes tienen en común que sus obras se identifican con la corriente abstraccionista o con una pintura figurativa que se acerca bastante a esta primera manifestación.
Aunque el arte figurativo ha tenido mayor incidencia en nuestro país, cabe recordar que importantes figuras de las artes visuales nacionales han desarrollado una obra significativa en este sentido, entre ellos Guillo Pérez, Silvano Lora, Elsa Núñez o Fernando Peña Defilló.
Las obras que conforman la muestra de Convergencias Cromáticas (Sensoriales) se estarán exhibiendo desde el 23 de agosta hasta el 14 de septiembre del año en curso, en la Sala Ramón Oviedo, ubicada en la sede del Ministerio de Cultura de la República Dominicana.
Expositores
Verouschka Freixa, pintora, ilustradora, profesora de arte, escritora de cuentos infantiles y psicóloga clínica. Ha expuesto su obra tanto en Santo Domingo, Londres, Alemania, Suiza, Miami, Brasil Perú y Puerto Rico. Realizó su primera exposición individual “Búsqueda y Encuentros” en Casa de Teatro, 1994. Desde la fecha hasta ahora se ha mantenida activa realizando múltiples exposiciones.
Marcia Guerrero, nace en Santo Domingo, donde vive y trabaja. Es una artista en activo, cuya obra forma parte de colecciones en Estados Unidos, México y Puerto Rico. Formación: estudios de Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Bellas Artes, y de Arte Publicitario en la Universidad Autónoma de Santo Domingo (UASD). Obras recientes: Exposiciones individuales (recientes): 2006, Papeles de Fuego, Galería de Altos de Chavón, La Romana, en el año 2003. El Espacio, Santo Domingo, 2002. Papeles del Bosque, Galería de Altos de Chavón, La Romana, 2001. Conexiones, Casa de Teatro, Santo Domingo.
Reyes Ocre, Egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes de Santiago. Primera exposición individual en 1996, bajo el título “Ocre, solo Ocre”, el cual le sirvió para su nombre artístico de Reyes Ocre. Premios y Distinciones: Primer premio modalidad acrílico sobre lienzo: Bienal Internacional le fuerte Bernard, Francia. Primer lugar: Gran Premio maestro Cándido Bidó, Junta Agro empresarial Dominicana. Finalista: en el primer concurso Nacional de arte Contemporáneo, periódico Diario Libre, Galería Arte Berri, Santo Domingo. Ocre ha realizado varias exposiciones desde 1996 hasta 2016.
Joaquín Rosario, nació en Loma de Cabrera, República Dominicana. Exposiciones individuales: 2014, Entre grises galería de arte arawak, 2012, ADAGIO Arte San Ramón y JMMB Puesto de Bolsa, 2005, “Alcanzar una estrella”, Galería Nader, Santo Domingo, 2003, “Enigmas del tiempo”, Montmartre Galería de arte, Santo Domingo, 2001, “En Fa Sostenido”, salones del CODAP, Santo Domingo, 1995, “Frutos de la naturaleza”.
2011, Exposición Las Vegas Nevada, 2011, En tono rosa, Santo Domingo, 2010, Feria de Arte FIARTE, Palacio Nacional de Bellas Artes, 2010, Galería de Arte San Ramón, Santo Domingo, 2009, Bienal Paleta de Niquel, Bonao, Caribe Visual Gallery, Galería El Gallo, Santo Domingo, 2006, “Dominican Painting”, The Puerto Rican Family Institute, Jersey City – Feria ART MIAMI, entre otros.
Millares de quisqueyanos desfilaron por la sexta avenida de Manhattan para mostrar su música, orgullo patrio y honrar la memoria de la oficial del Departamento de Policía de la Ciudad de New York, la dominicana Miosotis Familia, asesinada en el cumplimiento del deber.
Esta emblemática parada comenzó en la calle 35 hasta la calle 52, en la Sexta Avenida de Manhattan.
Fue un gran día para la comunidad, donde millares de dominicanos celebraron con bandera en mano y caminando juntos como hermanos el día dedicado a los quisqueyanos en la gran manzana. La música de diferentes ritmos, su gente, raíces y cultura, fueron los elementos principales de esta hermosa parada.
El Desfile Dominicano de la Ciudad de Nueva York 2017 este año tiene como tema "Nuestra Historia al Ritmo de Güira, Tambora, y Acordeón", que es parte de “quiénes somos y que estamos muy orgullosos de los hombres y mujeres que han sobresalido en tocar a su ritmo en sus careras y vida diaria”, señalaron organizadores.
Cabe destacar que la misión del Desfile Dominicano de la Ciudad de Nueva York es celebrar la riqueza de la cultura dominicana, su folklor y tradiciones populares. El desfile remarca, promueve y reconoce la herencia y contribuciones de la comunidad dominicana en los Estados Unidos y a alrededor del mundo.
El gran desfile contó con la presencia del comité organizador del desfile encabezado por la presidenta María Khury, y los demás miembros de la directiva. La señora Kurhy se hizo acompañar del Gran Mariscal del desfile, Adriano Espaillat, primer dominicano elegido al congreso de los Estados Unidos, Juan Marichal, padrino de la parada y el primer dominicano en el Salón de la Fama en MLB. También estuvo Michelle Jiménez, como madrina, primera bailarina Dominicana del Washington Ballet, Lissette Núñez, madrina internacional, la primera mujer dominicana piloto comercial y demás homenajeados.
Líderes electos participaron en el desfile destacándose del alcalde la ciudad Bill de Blasio, la presidenta del condado de Manhattan Gale Brewer, el senador Adriano Espaillat, concejal Ydanis Rodríguez, la presidenta del concejo municipal Melissa Viverito, asambleísta Carmen de la Rosa, senadora estatal Marisol Alcántara, el cónsul dominicano Carlos Castillo, el comisionado del NYPD James O'Neill, entre otros funcionarios electos e invitados especiales.
El exitoso desfile contó con más de 40 carrozas, entre ellas 809 Restaurant, la más divertida de la tarde, Cibao Meat Products, Delta Air Lines, Telemundo, Univision, entre otras. Con más de 100 agrupaciones, comparsas, roba la gallina, grupos culturales, batón ballet, asociaciones deportivas, religiosas, políticos, departamento de bomberos, NYPD, policías dominicanos y otros sectores de la diáspora desfilaron orgullosos de sus raíces, cultura y su orgullo patrio.
Sobresale entre más de 200 propuestas a nivel mundial.
La campaña "El Pez Invisible", ejecutada por Jumbo, de Centro Cuesta Nacional (CCN), ganó un León de Bronce en la categoría de Relaciones Públicas en Medio Ambiente de los premios del Festival Internacional más importante de Creatividad, Cannes Lions 2017, donde se reconocen las mejores piezas de la industria publicitaria a nivel mundial.
Ejecutivos de CCN y de la agencia publicitaria Partners Ogilvy Dominicana, que tuvo a su cargo el desarrollo de esta campaña, se mostraron muy orgullosos por este galardón que pone de relieve la alta creatividad y el talento dominicano, al sobresalir entre más de 200 propuestas finalistas a nivel mundial en esa categoría.
La campaña "El Pez Invisible" busca crear conciencia en los consumidores del pez Loro sobre la importancia de la conservación de este pez, en peligro de extinción y responsable de la formación de la arena de nuestras playas.
La iniciativa fue realizada en prensa escrita, las redes sociales y en las sucursales de Jumbo, convirtiéndose en trending topic e inclusive logrando que fuera declarado en veda por 2 años por el Ministerio de Medio Ambiente y Recursos Naturales, para evitar su total desaparición y mantener la conservación de las playas.
La estrategia de comunicación se basó en informar y concienciar sobre la responsabilidad ambiental de todos para proteger este pez y evitar el consumo del mismo. Se realizaron diversas acciones - a nivel digital y escrito - así como la colocación de un empaque vacío en el área de pescados de las tiendas de Jumbo, llamando la atención de los consumidores que no tenían el producto en el empaque, y podían leer en su etiqueta el nombre “El Pez Invisible”, y toda la información que el público necesita saber para evitar consumir este valioso pez.
Sobre Jumbo
Jumbo es una marca del grupo CCN que tiene 15 años en el mercado local, ofrece más de 65 mil productos a los consumidores, garantizando la misma propuesta que la ha posicionado como la principal tienda por departamentos del país, con espacios que brindan confort y comodidad para asegurar una buena experiencia, convirtiéndose de este modo en la mejor propuesta de valor entre calidad, variedad y precios competitivos. Con 15 años recién cumplidos, Jumbo sigue demostrando su misión de “mejorar la calidad de vida de la familia dominicana”.
Sí, los productores de la franquicia Rápidos y Furiosos han recreado innumerables carreras de autos a lo largo de los años. Pero la secuencia con la que se inicia la película más reciente es más histórica que las demás.
Es la primera escena cinematográfica hollywoodense filmada en Cuba desde que se impuso el embargo económico de Estados Unidos hace más de 50 años. La escena posee el grado de complejidad que es el sello de la franquicia. En ella podemos ver a Dom Toretto (Vin Diesel) en un Chevrolet Fleetline de 1950 y su rival Raldo (Celestino Cornielle) en un Ford Fairlane de 1956, abriéndose paso por las calles de La Habana.
“Nunca has visto Cuba de la forma en que nosotros la presentamos”, dijo el director de la película, F. Gary Gray. En una entrevista reciente en Nueva York habló de cómo obtuvo la aprobación para poder filmar en ese país, qué se necesitó para poder llevar un helicóptero estadounidense que hizo las tomas aéreas y el proceso de grabar una película hollywoodense en una isla con recursos limitados.
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¿Cómo fue que decidiste filmar en La Habana? Hay un vínculo natural entre Cuba y Dom Toretto, el personaje que encarna Vin Diesel, en cuanto a la cultura cubana del automóvil. Ahí solo se trata de lo básico: motores y creatividad, que es como funciona Dom. Él no corre con autos último modelo como los Ferrari o los Porsche.
¿Cómo fueron las primeras conversaciones al respecto? Mi equipo de producción fue muy inteligente en cuanto al enfoque y estuvo negociando con Washington en cada etapa, desde el equipo hasta el servicio de comida. Representamos a Estados Unidos cuando salimos del país y fácilmente podríamos causar un incidente internacional si tomábamos una mala decisión.
Yo estaba feliz de que nos permitieran filmar allí. Pero tuvimos que enfrentar los retos de grabar una película de esta envergadura en un país que no tiene la infraestructura para respaldarla.
¿Podrías hablarme del proceso de preproducción? De antemano, tuve que explicar los detalles de cada toma, cada ángulo y cada carretera en la que filmaríamos. Pero fueron muy amables. Durante la preproducción viajamos mucho a Cuba y pudimos ver los cambios. En un mes determinado, una locación se veía de cierta manera, pero volvíamos al mes siguiente y las carreteras ya estaban pavimentadas.
La escena recrea cómo sería una carrera clandestina de autos por las calles de La HabanaCredit Universal Pictures
¿Dónde se alojó el equipo de filmación? Hicimos muchos planes, como llevar un crucero. Pero reservamos cada habitación disponible dentro y alrededor de La Habana. Alquilamos casas y apartamentos, y realmente tuvimos que ser creativos.
Cuéntame sobre algún desafío logístico que hayas enfrentado durante el rodaje. Hay tantos fanáticos de la franquicia en Cuba que debimos contratar a 100 lugareños para bloquear un tramo de 20 cuadras, porque había más de 10.000 personas que nos veían filmar. Esa es una energía fenomenal de la que te puedes nutrir para trabajar, pero también se deben tomar medidas de seguridad.
¿Tuviste dificultades con la tecnología? Tuvimos dificultades para enviar y recibir correos electrónicos. El servicio de telefonía celular y las llamadas a Estados Unidos fueron extremadamente difíciles. Casi necesitamos un equipo de científicos para poder resolver problemas muy sencillos. Pero yo diría que, lo que perdimos en comodidad fue compensado con la emoción y la estética.
Michelle Rodriguez y Vin Diesel en “The Fate of the Furious”Credit Matt Kennedy/Universal Pictures
Dame un ejemplo de algo que normalmente es fácil hacer pero en Cuba resultó difícil. El metraje sin editar. Teníamos un día completo de rodaje y no podíamos ver las tomas durante días y, en algunos casos, un par de semanas. Cuando estás rodando con cinematografía digital, el tamaño de los archivos es enorme, y no tenían internet de banda ancha para enviar las imágenes y después recibirlas con sonido procesado.
Así que enviamos a empleados a Estados Unidos para que procesaran los archivos y nos los trajeran en un disco duro. Era como enviar una paloma mensajera a Florida, y ya sabemos cuánto tiempo tardan las palomas.
¿Había algo que querías tener en el set pero no fue posible? Quería usar un dron para el rodaje, pero no nos dejaron traerlo. Sin embargo, me permitieron llevar un helicóptero. Fue la primera aeronave estadounidense en ser admitida en La Habana (desde el deshielo).
¿Cuál fue el momento más memorable del rodaje? Llevamos nuestro helicóptero con una enorme cámara. A los lugareños quizá les parecía una nave espacial que sobrevolaba a 15 metros del suelo a toda velocidad, persiguiendo a los dos autos que recorrían las calles. Configuré una pantalla enorme para que los lugareños vieran qué estaba filmando el helicóptero. Enviamos la señal de video de vuelta al monitor, y ellos podían ver la ciudad desde el cielo.
Muchos de ellos nunca han estado en un avión. Vimos que les empezaban a salir lágrimas de los ojos. Entonces comenzamos a llorar porque ellos estaban llorando. Fue un momento compartido con el que nos dimos cuenta de lo especial que era para ellos y de lo mucho que nosotros damos por sentadas las cosas.
Con el fin de honrar y recordar los ideales de Juan Pablo Duarte, el presidente Danilo Medina entregó hoy, el Museo Casa de Cera. En este inmueble se destaca la vida y obra del Padre de la Patria, desde su nacimiento hasta la muerte.
Composición del museo: Vida de Duarte y familia
Está ubicado en la misma vivienda donde nació, el 26 de enero de 1813, el fundador de la República Dominicana. En una parte, se recoge la vida de Duarte y en la otra, lo concerniente a su familia.
Otro tercer museo es del Instituto Duartiano. Aquí se incluyen las mismas piezas y elementos que había tenido antes este lugar.
El museo tiene tres patios españoles, un auditorio para 139 personas. Posee 1,093.34 metros cuadrados de área reconstruida.
Figuras de cera hechas por primera vez en RD y el Caribe
La casa cuenta con una sala de cera, cuyos personajes resaltan la vida y obra de Duarte. La componen 13 imágenes o dioramas que recogen los acontecimientos más importantes del prócer independentista.
También, 9 bustos de los trinitarios, igualmente, uno de Chepita Pérez y una colección pictórica de Duarte. Además, se exhiben retratos de los independentistas y de la familia Duarte, tanto en relieve como en murales.
Contiene figuras de cera a escala natural, hechas por primera vez en República Dominicana y en el Caribe. Asimismo, el museo consta de una sala museográfica, con obras que se han conservado en el Instituto Duartiano.
33 pinturas al óleo cuentan la trayectoria revolucionaria del Padre de la Patria. El museógrafo Juan Gilberto Núñez hizo los trabajos de restauración.
Ejemplo de Juan Pablo Duarte
El Presidente del Instituto Duartiano, José Joaquín Pérez Saviñón al agradeció la restauración del museo. Dijo que con esta obra, hoy la Bandera Nacional ondea con alegría por el nuevo museo.
Pérez Saviñón precisó que con esta infraestructura, Danilo Medina hace un regalo a todo el pueblo dominicano. Agregó que esta obra permitirá una mejor formación de ciudadanos que podrán seguir los ejemplos de Duarte.
El ministro de Cultura, definió al Patricio como un hombre culto y de profundo respeto por los dominicanos. “Hoy tanto como siempre, debemos llevar una cruzada duartiana para conservar nuestra dominicanidad”, precisó Pedro Vergés.
Igualmente el presidente de la Comisión Permanente de Efemérides Patrias, Juan Daniel Balcácer habló en el acto. “Este día tiene una gran significación”, dijo.
Una institución modelo
Aseguró que los que visiten el museo asistirán a un encuentro verdadero y fidedigno con la historia dominicana. Aseguró que ahora los dominicanos tendrán una idea más clara y real sobre la historia de Duarte. “Será una institución modelo para todo el país”.
Mientras que el director general de la Oficina de Ingenieros Supervisores de Obras del Estado, (OISOE) dio los detalles de los trabajos. Francisco Pagán destacó que “el patricio es de esos hombres que no mueren el día que mueren. Es de los que suben mientras baja su ataúd".
Duarte cambió su corazón por el de su pueblo
Indicó que el prócer fue de los hombres que cambiaron su corazón por el de su pueblo. Señaló que era imposible para el presidente pasar por el poder sin dejar una obra que recuerde la vida de Duarte.
"El significado de esta obra, no es un simple o un homenaje más. Duarte merece todos los homenajes para perpetuar su memoria", manifestó Pagán.
Enseñanza
Explicó que lo que se busca con este museo es crear un lugar, en donde los dominicanos se encuentren con la enseñanza de Duarte.
Luego del corte de cinta, el presidente Danilo Medina recorrió las instalaciones.
La bendición fue realizada por Monseñor Benito Ángeles, vicario de la Episcopal de Santo Domingo Este. Mientras que las notas del Himno Nacional fueron interpretadas por la artista Diomaris La Mala.
En el acto estuvieron presentes los ministros de Defensa, teniente general Rubén Darío Sem y Educación, Andrés Navarro. Igualmente el de Trabajo, José Ramón Fadul.
Asimismo, la presidenta de la Cámara de Diputados, Lucia MedinaRubén y los asistentes del presidente, Carlos Pared Pérez y Robert de la Cruz. Además, autoridades esclesiasticas, civiles y militares.
Santo Domingo. En el marco de la celebración del Bicentenario de Francisco del Rosario Sánchez y el 65 Aniversario del Canal4RD, la Corporación Estatal de Radio y Televisión convoca a participar en el Festival del Minuto de Francisco del Rosario Sánchez.
El encuentro se llevó a cabo en el salón de conferencias de CERTV, contó con la participación de: Ellis Pérez, Presidente del Consejo de Administración de CERTV, Ramón Tejeda Read, Director General de CERTV y Etzel Báez, Cineasta y Coordinador General del Festival del Minuto Francisco del Rosario Sánchez.
El Festival del Minuto de Francisco del Rosario Sánchez es un modelo de concurso de cortometrajes, donde cada una de las propuestas temáticas tiene una duración de un minuto o menos. Esta edición será dedicada a la memoria y vida del patricio, con el patrocinio de la Corporación Estatal de Radio y Televisión.
Etzel Báez, Coordinador general del Festival del Minuto Francisco del Rosario Sánchez, dio a conocer las bases del concurso, donde indica que los ganadores del Festival del Minuto de Francisco del Rosario Sánchez serán premiados con 75,000.00 pesos cada uno de los tres cortometrajes con mayor puntuación del jurado, también habrá el premio del público quien recibirá igualmente 75 mil pesos.
La fecha límite de inscripción es el treinta y uno de julio, la premiere y entrega de premios será el dieciocho de agosto de este año y el premio del público será entregado en el mes de septiembre.
Ellis Pérez, presidente del consejo de administración de la Corporación Estatal de Radio y Televisión destacó el hecho de que la planta televisiva servirá de coyuntura para el proceso de grabación de los cortos, también resalto la figura de Francisco del Rosario Sánchez y sus grandes y significativos aportes en la lucha por la Independencia Nacional de 1844.
De su lado, Ramón Tejeda Read, director general de la planta televisiva y radiofónica, destacó la importancia de la manifestación pedagógica de la cultura, como herramienta fundamental para fomentar la conciencia histórica nacional y el patriotismo.
Las bases del concurso, cuya premiación se realizará el dieciocho de agosto de 2016, están disponibles en la página www.canal4rd.com. Para inscripción e información adicional: Comunicaciones CERTV; 809-689- 2121 ext. 247, Coordinación General: Etzel Báez / Cel. 809-258- 1061 / Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo..
EL ÁREA CERRADA CORRESPONDE AL PERÍMETRO ENTRE LA AVENIDA MÁXIMO GÓMEZ HASTA EL OBELISCO
Santo Domingo
Un tramo del Malecón de Santo Domingo estará cerrado a partir de las 3:00 de la tarde de este sábado hasta el lunes a las 6:00 de la mañana con motivo de celebrarse hoy domingo el Desfile Nacional del Carnaval.
El área cerrada corresponde al perímetro entre la avenida Máximo Gómez hasta la avenida Presidente Vicini Burgos (Obelisco).
El cerco se ampliará hoy desde la Abraham Lincoln hasta la avenida Francisco Alberto Caamaño Deñó (Puente Flotante), día en que también estarán cerradas las vías de acceso por la avenida Independencia, Socorro Sánchez, Pasteur, José María Lluberes y Presidente Vicini Burgos.
Obreros y técnicos agilizan la instalación de los entarimados VIP, para la prensa y jurados, desde los cuales podrán observar el desfile que organizan el Ministerio de Cultura, con el respaldo del Ministerio de Turismo, Ministerio de Educación y la Comisión Nacional del Carnaval.
El recorrido de comparsas de todo el país será encabezado por la reina del Carnaval, la gestora cultural Eugenia del Carmen Torres (Pequita), y el rey, el merenguero Kinito Méndez, quienes serán seguidos por decenas de comparsas ganadoras en los carnavales municipales de República Dominicana.
Se ha programado el cierre del mismo con un concierto en el que actuarán Sergio Vargas, Mozart La Para, Don Miguelo y Chiquito Team Band.
La viceministra Edilí Pichardo y el director de Gestión del Carnaval, Ramón Lachapelle, informaron que esta versión está dedicada a los carnavaleros de los municipios de la región noroeste, Cotuí, Salcedo, San Francisco de Macorís y Río San Juan.
Se ha previsto que el recorrido inicie a las 3:00 de la tarde, en dirección Oeste a Este, partiendo de la intersección entre las avenidas Máximo Gómez y George Washington, para concluir en el Obelisco, frente a la sede del Ministerio de Cultura.
Un dispositivo de seguridad, con unos 2 mil 500 agentes del orden, vigilará que los asistentes no porten armas de fuego, objetos cortantes, envases de vidrios, ni consuman bebidas alcohólicas.
La Policía Nacional, la Dirección Nacional de Investigaciones (DNI), la Dirección General Preventiva de la Policía Nacional, la Policía Municipal, la Policía Turística (POLITUR), la Marina de Guerra y la Autoridad Metropolitana del Transporte (AMET) apoyan el operativo.
Desde que dejó este mundo y sus personajes empezaron a vivir por los siglos de los siglos, cargando buena parte de sus enigmas, Miguel de Cervantes ha ido creciendo como un gran misterio. Tanto que la incesante catarata de teorías sobre su vida y su obra ha enfrentado sin tregua a los estudiosos. Los cervantistas —único autor español que merece disciplina propia— son una raza tradicionalmente mal avenida. Hoy no se lían a mamporros o se baten en duelo, pero alrededor de las polémicas que va cargando el centenario siguen saltando chispas. De la clásica discusión sobre el lugar de La Mancha con que comienza elQuijote —las principales candidatas para la elucubración de lo que no pasa de ser un sencillo recurso literario son Argamasilla de Alba y Villanueva de los Infantes— a la obsesión por despojarle del punto de vista romántico que pinta al escritor como amargado por su fracaso, la riña no parece tener fin…
¿Dónde nació? ¿De verdad sobrevivió al cautiverio de Argel con cuatro intentos de huida sin haber cedido a los favores sexuales de sus señores? ¿Se trataba de un converso? ¿Escribió el Quijote en catalán antes de que se publicara en castellano? ¿Era espía, comisionista, agente doble, triple…? La riña con Lope de Vega, ¿estaba movida por la envidia?
Teorías y gustos hay para todos. Las interpretaciones sobre sus zonas oscuras varían entre el sentido común y el disparate. En estos tiempos del cuarto centenario, además, quedan a expensas de titulares baratos. Pero lo cierto es que los cervantistas no dan aún con algunas de sus claves, que continúan abiertas a polémicas constantes desde que falleciera en Madrid el 23 de abril de 1616.
"Entre puntadas de esgrima y cuchilladas anda la estirpe cervantina", dice Andrés Trapiello en el prólogo de su obra Las vidas de Miguel de Cervantes (Austral). Desde la perspectiva del intruso escribió el autor esta biografía. No hace mucho, ha tenido el arrojo de traducir el Quijote al español actual. “Fue un trabajo que me llenó de placer cada tarde. En vez de enfrascarnos en polémicas absurdas, no sé por qué no nos preguntamos sobre sus claves más profundas”, asegura Trapiello.
Y una es precisamente esa: ¿Por qué el Quijote es un libro que nos produce tanta felicidad al leerlo? Ahí reside, según Jordi Gracia, una de las verdades que destrozan la teoría romántica. En su reciente Miguel de Cervantes. La conquista de la ironía (Taurus), lo expone: “No me creo que una obra así, llena de perfecto conocimiento sobre el ser humano y de compasión cumplidos los 50 años, fuera escrita por un hombre arisco, amargado, envidioso. Toda esa visión romántica que ha dominado los estudios durante tanto tiempo no se sostiene”.
Las auténticas claves de ciertos escritores quedan sobre el papel. “Si se sabe sentir, se sabe decir”, apunta Cervantes en El amante liberal. ¿Hasta qué insondable punto? Quien fue soldado en Italia, herido en Lepanto, cautivo en Argel, protegido de Juan de Austria, autor teatral más o menos reconocido, inventor de la novela moderna, negociante en varios puntos de España, amante discreto pero proceloso, servidor de la corte, preso por equívocas prácticas mercantiles, no puede abarcar una visión unívoca.
Primera biografía
Desde la primera biografía que se le conoce, la de Gregorio Mayans, publicada en 1738, no ha cesado el combate. El periodo romántico fue encarnizado: todos contra Juan Eugenio Hartzenbusch por sus más que atinadas correcciones sobre el texto. Después, una demasiado emocional Generación del 98 lo eleva a la pesadumbre del mártir. En el siglo XX, Américo Castro llegó a poner orden. “Cambia la visión emocional por la científica”, asegura José Manuel Lucía Megías,presidente de honor de la Asociación de Cervantistas —engloba a 400 expertos de 45 países—, autor de La juventud de Cervantes y comisario de una exposición de la Biblioteca Nacional finalizado en mayo. “Están quienes te lo recitan de memoria, con el poco valor que puede tener eso a los seguidores de Castro, ya empeñados en estudiarlo dentro de sus corrientes literarias con técnicas científicas”.
Entre los más nocivos quedan quienes lo consideraban un ingenio lego. “Aquel que por obra y gracia de no se sabe qué y sin formación ninguna, sin lecturas ni nada, compuso una obra como el Quijote, llena de citas cultas”, asegura José Montero Reguera, catedrático de la Universidad de Vigo.
Todo eso ha muerto. Como de desvanecerán las teorías recientes que lo convierten de golpe en leonés, ignorando la partida de nacimiento a disposición de quien la pida en el Ayuntamiento de Alcalá de Henares, o los que sostienen que escribió su obra maestra en catalán: “El cervantismo tradicional peca de mucha retórica vana. La polémica que de verdad interesa, el texto de sus obras, no importa y debería ser la primera”, asegura Francisco Rico, miembro de la Real Academia Española y filólogo. Este, se considera un anatomista de sus obras. “Hacer una edición digna tiene algo de restaurador de monumentos y director de orquesta”, afirma. Convertir en algo legible el Quijote, un texto sin párrafos ni puntuación y contaminado de intoxicaciones introducidas por los editores para que cuadrara, ha sido tarea de titanes. Queda ahí su gran asunto, según Rico. “No en cosas de trastornados o polémicas absurdas como la del hallazgo de sus huesos. Por mí, con ellos, pueden hacer Avecrén”.
EN CUANTO A LAS MUJERES...
Otra de las frecuentes polémicas cervantistas reside en el tratamiento de las mujeres. Su modernidad desconcierta demasiado. Entre su consciente deseo de dotarlas de libertad al tópico de la mutabilidad, que llega hasta la donna è mobileverdiana, el autor traza todo un fresco de complejidades femeninas demasiado avanzadas para la época.
Aurora Egido, catedrática de la Universidad de Zaragoza y miembro de la Real Academia Española, tiene su explicación: “Fue, sin duda, maestro en la invención de personajes, tanto hombres como mujeres. Los géneros literarios determinaban entonces bastante la configuración de los caracteres. Y ahí está la novedad de Cervantes al romper el marco genérico y trasvasarlo para crear seres singulares, dotados de entidad propia. Su originalidad reside en hacerlos vivos y verosímiles”.
Desde Maritornes, Teresa Panza, Feliz Flora, Rosamunda o la Dueña Dolorida, pasando por Ana Félix, la singular Antonomasia o la perfecta Auristela, delPersiles, Cervantes mostró una enorme capacidad para convertir en arte la naturaleza femenina. “Lo hizo ahondando en su interior, pero sin romper nunca las reglas del decoro”, cree Egido. “Abarca toda la serie de vicios y virtudes posibles, ya se trate de hombres o mujeres. Pero él no entró nunca, como hicieron Quevedo y otros, en lo más bajo”. Quizás, añade la académica, lo más sorprendente de sus personajes femeninos sea su rebeldía: “Así como su ingenio a la hora de hablar, obrar o elegir libremente su futuro por encima de las convenciones al uso”.
